holzwarth publications gmbh (102 Ergebnisse)

Taschenbuch. Zustand: Neu. Neuware - Für seine Ausstellung im Kunstverein Reutlingen Ende 2014 schuf Thomas Arnolds eine in sich geschlossene Werkserie von 20 monochrom weißen Gemälden. Die Farbe ist ungemischtes Titanweiß, kälter und reiner noch als die Farbe an den Wänden des White Cubes. Und dennoch handelt es sich nicht um einfache Monochrome, denn die Bilder haben reliefartige Strukturen, die Op-Art-Effekte, Linien und Motive zeigen. 'Dabei geschieht Erstaunliches', schreibt Kurator Christian Malycha, der in seinem Essay die bisherige Werkentwicklung des Künstlers bis zur aktuellen Serie nachvollzieht. 'Die Bildfelder werden zu Orten reinen Erscheinens: auf derselben Fläche entstehen aus derselben Farbe massive Formen, feinste Texturen und Strukturen, die im gleißenden Eigenlicht des Weiß' wie ungeprägte Ausdruckspartikel erscheinen, noch vor jeder Bedeutung oder gegenständlichen Zuschreibung. In dieser Linie und Farbe aussöhnenden Schwebe halten sich die Bilder und zeigen uns ihre allmähliche Verfertigung im Sehen. Zeigen, wie sich aus vereinzelten Elementen erst so etwas wie neue Worte, dann zusammenhängende Sätze und schließlich eine ganz eigene Sprache bilden - stets auf der Grenze von Strenge und überschlagenen Strängen, von plakativem Signal und deutungslosem Zeichen. Denn darum geht es doch. Um die Frage, wie man als Maler immer neu und doch beständig im Selben zur eigenen Sprache, zum eigenen Bild gelangt. Und das ist gleichermaßen Arnolds' Herausforderung und Einladung an uns: die Bilder wieder als Bilder, die Malerei selbst zu sehen.'WHITEOUT(Auszug aus dem Gespräch von Thomas Arnolds mit Heide Häusler)HH: Ein Jahr weiße Farbe. Was ist das für ein physisches Erlebnis Dein Atelier ist ja ein weißer Raum mit weißen Wänden und Böden, natürliches Licht fällt einzig durch die Sheddächer hinein und dann auch noch weiße Bilder. In der Meteorologie gibt es das Phänomen des 'Whiteouts', das vor allem in den Polargebieten entsteht. Durch die starke, diffuse Reflektion des Sonnenlichts auf der Schneelandschaft sieht man keine Kontraste mehr. Der Horizont verschwindet, Landschaft und Himmel assimilieren und werden eins. Der Mensch wird orientierungslos. Wie ist das, nur mit weißer Farbe zu malen TA: Ja, ganz genau. Das kann einem am Polarkreis passieren, man erlebt das aber auch als Künstler im Atelier, wenn man sich lange mit der rein weißen Farbe auseinandersetzt! Allerdings mache ich das jetzt ja auch erst ein Jahr. Robert Ryman zum Beispiel hat das sein ganzes Leben gemacht, auch wenn seine weißen Arbeiten mehrere Nuancen von Weiß kennen. So, wie auch einige weiße Arbeiten von Malewitsch im Übrigen eine Palette von weißen und grauen Werten haben. Meine weißen Arbeiten sind dagegen monochrom, rein weiß, 'titanen'.HH: Aber kein Horror vacui In jedem Bild gibt es Anhaltspunkte.TA: Klar, ich merke, dass ich versuche, beim Malen fokussiert zu bleiben. Was nicht einfach ist, da sich das Titanweiß territorial nicht abgrenzen lässt - also innerhalb des Bildraums, aber auch im Bezug zum Realraum. Da gab es bisweilen schon seltsam physische Erlebnisse. Die spezielle Malweise verdoppelt das Whiteout noch, das Hologrammartige. Gehen, Kommen, Drehen, Verschwinden. Die Flächen werden optisch in Bewegung gesetzt. Das sind Erlebnisse, die ich sehr interessant finde.HH: Noch einmal Naturwissenschaft. Farbenlehre, Wahrnehmungstheorie: Für uns Menschen entsteht der Eindruck von Weiß ja immer bei Dingen, die das Licht derart reflektieren, dass die Rezeptoren in unserer Netzhaut gleichzeitig und gleichstark stimuliert werden. Hier spielen die Termini von gleich, Gleichheit, Gleichartigkeit, Gleichwertigkeit, Gleichzeitigkeit eine große Rolle. Du gehst ganz klar an die Grenzen von Wahrnehmbarkeit und Wahrnehmung. Wie findest Du Dich überhaupt auf Deinen eigenen Bildern zurecht Das Weiß verlangt ja schließlich von Dir, dass Du alles gleich und zugleich wahrnimmst.TA: Das sehe ich tatsächlich so. Man könnte alles gleichzeitig wahrnehmen, letztlich tun wir das ja auch. A.

hardback. Zustand: New. Language: ENG.

Taschenbuch. Zustand: Neu. Neuware - In diesem Katalog werden in großformatigen, hervorragend gedruckten Bildtafeln acht Gemälde einer Werkgruppe gezeigt, die 1996 auf La Palma entstanden, und die vor der Ausstellung in Luckenwalde nur ein einziges Mal, nämlich 1997 in der Kunsthalle Basel zu sehen waren, ein Muss für die Oehlen-Kunstbibliothek. 'Wenn Oehlen einer Reihe von acht monumentalformatigen Rhythmusbatterien Bildtitel wie 'Mitleid, Mönch und Nonne', 'Geist und Zeit', 'morgen - fraglich', '(im) Tränensack', 'Grünspan', 'Sternenabfall' und 'Bluesmißbrauch' gibt, möglicherweise in einem weltenstürmerischen Anfall von romantischem Enthusiasmus, dann flammt hinter dieser Entscheidung unzweifelhaft Ironie auf: möge sich der akademische Bilderdeuter doch endlich im Labyrinth seiner eigenen hilflosen Erklärversuche verheddern. Am Ende bleibt die Malerei - eine nicht zu überlistende, das Suchen der Malerhand konservierende, dschungelhaft undurchdringliche Geste - ein Stein, über den die stoische Interpretation stolpern sollte. ' - Christoph Tannert.

HRD. Zustand: New. New Book. Shipped from UK. Established seller since 2000.

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Buch. Zustand: Neu. Neuware -Bridget Rileys Kunst speist sich aus dem Interesse der Künstlerin an Formen und Farben der Malereigeschichte, die sie von ihrer ursprünglichen Darstellungsfunktion trennt und so neue Klänge und Bedeutungen findet. Mit jeder Bildserie fügt sie ihrem Werk etwas hinzu - und in diesem Buch, bereits ihrem fünften bei Holzwarth Publications, begegnen wir den jüngsten Ergebnissen: Da sind die Intervals, bei denen sie breite horizontale Streifen in vergrauten Grün-, Violett-, Orange- und Türkistönen auf weißem Grund übereinander stellt. Die Anordnung folgt keiner mathematischen Regel: 'Wenn klar geworden ist, dass es kein festes Prinzip hinter den Permutationen gibt', schreibt Éric de Chassey in seinem Essay, 'können sich Geist und Auge auf die Harmonie des Gesamtbildes einlassen, die durch den Rhythmus der Veränderungen einzelner Elemente entsteht'. Bilder der Serie Measure for Measure sind in ähnlichen Tönen gehalten, aber durch die Komposition in farbigen Kreisen haben sie einen luftigen, schwebenden Charakter, jede Farbe wirkt auch für sich allein. Diese neuen Arbeiten werden an allen drei Ausstellungsorten der Galerie Max Hetzler in Berlin zu früheren Leinwänden und Wandmalereien seit 1984 in Beziehung gesetzt. Hier zeigt sich, dass Rileys Werke immer eine Bilanz dessen sind, was sie bereits erreicht hat, und gleichzeitig Vorarbeiten für künftige Bilder. 78 pp. Englisch.

Taschenbuch. Zustand: Neu. Neuware - Im Mittelpunkt dieses Katalogs steht eine Serie von sechs großformatigen Gemälden, die Günther Förg 2003 für eine Gruppenausstellung im barocken Schloss Dyck malte. Die Bilder sind in vielfachen Grautönen mit einigen stark roten und rosa Akzenten gehalten und wurden vom Künstler genau in die zwei Meter hohe Wandvertäfelung des Schlosssaals eingepasst. Als sie nun 2017 in der Galerie Max Hetzler in Berlin ausgestellt wurden, verwandelten sie sich von einer Arbeit in situ zu einer beeindruckenden Suite reiner, absoluter Malerei. Ergänzt durch eine Auswahl von kleineren Gemälden derselben Zeit wird so die ganze historische Dimension der Werke sichtbar - abstrakt minimalistisch und gleichzeitig ein Bild der Natur evozierend. Zentral ist dabei, wie Matthias Buck in seinem Text beschreibt, die ganz unmittelbare Malweise Förgs: 'Der Betrachter kann vor den Bildern ein Stück weit die Perspektive des Malers während der Entstehung einnehmen. Zwar ist uns das Bild immer in seiner synchronen Gesamtheit gegeben, aber der Weg zur Vollendung bleibt transparent. Die Bilder begegnen uns nicht als überwältigendes Ergebnis einer Genese, die das Geheimnis ihres Schöpfers bleibt, sondern als transparente Entität, die, gerade weil sie kein Geheimnis hat, darüber staunen lässt, mit welch einfachen Mitteln sehr komplexe Bildwirkungen entstehen.'.

Taschenbuch. Zustand: Neu. Neuware - 'Berlin 1994-2003', eine Dokumentation aller Ausstellungen der Galerie Max Hetzler in Berlin, macht auf anschauliche und lebendige Art deutlich, warum Max Hetzler zu den international renommierten Galeristen zählt. 1994 kam er in die Stadt und hat seit dieser Zeit in gut 100 Ausstellungen Künstler wie Darren Almond, Rineke Dijkstra, Günther Förg, Ellen Gallagher, Georg Herold, Martin Kippenberger, Jeff Koons, Vera Lutter, Sarah Morris, Albert Oehlen, Yves Oppenheim, Thomas Struth und Christopher Wool in regelmäßigenAbständen in die Stadt gebracht und in anspruchsvollen, sich am internationalen Diskurs über Kunst beteiligenden Ausstellungen gezeigt. Max Hetzler gründete seine Galerie 1974 in Stuttgart und zog 1983 nach Köln um, in die Stadt, die damals Kunsthauptstadt Deutschlands war. In Berlin startete er in der Schillerstraße (bis 1997). 1995 eröffnete er parallel die Zimmerstraße. Dazu kam im Herbst 2001 die Galerie in der Holzmarktstraße, in einem Berliner S-Bahnbogen. Die Publikation 'Berlin 1994-2003' zeichnet diesen Weg nach. Reich bebildert mit Installationsaufnahmen und Abbildungen von Exponaten bildet sie chronologisch alle Ausstellungen ab und entwickelt aus der Fülle der starken Künstlerpositionen eine inspirierende Kraft. Alle gezeigten Künstler beweisen dabei auf beinahe extreme Weise Zeitgenossenschaft, in dem Sinne, dass sie sich in ihrem Werk den je aktuellen Standards der uferlosen Bilderflut unserer Zeit stellen und deren Strategien in ihren Werken reflektieren. In der Konsequenz dieser Haltung entstand eine Vielzahl von programmatischen Gemeinschaftsausstellungen und von Künstlern kuratierten Themenausstellungen.

Buch. Zustand: Neu. Neuware -Die Schweizer Künstlerin Louise Bonnet testet die Grenzen des menschlichen Körpers, dessen Dehnbarkeit sie in ihren Gemälden auf schmalem Grat zwischen Schönheit und Hässlichkeit ins Real-Surreale treibt. Üppige Torsi und knollenförmige Extremitäten bevölkern ihre Bilder, eine faszinierende Schau von seltsam geformten Nasen, Brustwarzen und perückenartigen, meist blonden Haarhaufen - eine Art von Glamour, die immer unvollständig zu bleiben scheint. Das Geschlecht ist mal übertrieben und mal völlig vernachlässigt, was das Geheimnis dieser Figuren betont. Zwischen cartoonhafter Fröhlichkeit und der virtuosen Formalität moderner Skulptur dehnen und strecken sie sich in unbequemen Posen in einer endlosen Zeitschleife. Flavia Frigeri beschreibt diese Bilder in ihrem Essay als Dämmerung der Schönheit im Lichte der kunsthistorischen Erinnerung. 'Durch ihre eklektische Art der figurativen Malerei', schließt sie, 'fordert Bonnet die normativen ästhetischen Ideale heraus, mitsamt den dazugehörigen Vorstellungen von Identität und Repräsentation.' In Zusammenarbeit mit Galerie Max Hetzler, Berlin Paris London 80 pp. Englisch.

Original publisher's dark grey cloth covered boards with black lettering at spine and front board, with pasted black and white and colour plates to front and rear boards. Copiously illustrated in colour throughout. Catalogue produced to accompany an exhibition of the same name at the Galerie Max Hetzler, Berlin, and the White Cube, London. With insert from the exhibition. Parallel texts in English and Polish. ISBN: 9783935567435 Fine.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Die ungemein dichten Gemälde und Aquarelle des Berliner Malers Uwe Kowski (geb. 1963 in Leipzig) bewegen sich auf einem schmalen Grat zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit: feingliedrige, komplexe Kompositionen, in deren Farbschichtungen sich Wörter verstecken können sowie zahlreiche Verweise auf die Kunstgeschichte von den Impressionisten bis zu Jasper Johns. Herausgeber Nils Ohlsen von der Kunsthalle Emden: 'Kowski versteht Malerei als Option der Veränderung und Mehrdeutigkeit. Er malt nicht, um Dinge festzuhalten oder eindeutige Aussagen zu machen, sondern um dem Betrachter die Möglichkeit der permanenten Veränderung, der potenziellen Verwandlung und spielerischen Doppeldeutigkeit vor Augen zu führen.'Mit dem vorliegenden Band erscheint zum ersten Mal eine umfassende Werkauswahl, die in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler aus den Arbeiten der letzten acht Jahre zusammengestellt wurde; eine gute Gelegenheit, in dieses ungemein vielschichtige Werk einzutauchen, das so viele Gegensätze zu vereinen versteht: Statement und Frage, Form und Auflösung, Ordnung und Chaos. Ulf Küster bringt es in seinem Text auf den Punkt: 'Wer etwas über Möglichkeiten und Nicht-Möglichkeiten von Malerei, Zeichnung und Schrift erfahren will, sollte sich die Bilder Uwe Kowskis genau ansehen.'.

hardback. Zustand: New. Language: ENG.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - 1993 und 1994 waren harte Jahre für Richard Phillips. Es waren auch kreative Jahre, in dieser Zeit entstanden die mehr als dreißig in diesem Portfolio gesammelten Zeichnungen. Während die Miete acht Monate lang unbezahlt blieb, saß Phillips bei defekter Heizung in seiner bitterkalten Küche und beschwor ein Bild nach dem anderen herauf: ein Obdachloser wird von einem Strolch bei lebendigem Leib verbrannt; eine verstörte Blondine kuschelt mit einem weißen Kaninchen in der Überzeugung, es wäre ihre Schwester; eine monumentale Götterstatue in den Tempelruinen von Angkor Wat hat das Gesicht von Alice Cooper - gleich zwei Götter auf einmal! Phillips benutzte Motive aus alten Zeitungen, aber ein Blick hinter die fleckige Oberfläche der Bilder zeigt, dass sie in seiner zerrissenen Seele entstanden sind. Jede dieser Zeichnungen ist ein eigenständiges Werk, sie waren nicht als Studien gedacht. 'Ursprünglich sollten sie bloß Unterhaltung sein', verrät Phillips der Autorin Linda Yablonsky, 'aber dann fühlte ich mich getrieben, immer weiter und weiter zu gehen'. Letztendlich gaben diese Zeichnungen Phillips die Freiheit, mit der Malerei zu beginnen. Was sie uns geben ist Kraft, um im Dunkeln noch die Hoffnung zu sehen.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Bridget Riley verwendete in ihrer langen Karriere viele verschiedene Mittel zur Bildgestaltung; in allen Schaffenphasen jedoch ist sie auf das Element der Streifen zurückgekommen. Diese Publikation dokumentiert aus Anlass einer Themenausstellung in der Galerie Max Hetzler anhand von Schlüsselwerken und zugehörigen Studien, wie Riley immer wieder diese scheinbar einfache Idee aufgreift und dabei zu überraschenden und komplexen Ergebnissen findet. Im Zentrum des Buchs steht eine Serie von neuen horizontalen Streifenbildern, die Rileys Fähigkeit beweist, das gesamte Sichtfeld farbig zu beleben.DIE STREIFENBILDER 1961-2013(Auszug aus dem Essay von Paul Moorhouse). Von 1980 bis 1985 beherrscht das Streifenformat Rileys Denkweise. Dieses für ihre formale Arbeit zentrale Thema wird dann durch andere Fragen verdrängt. Erst im Jahr 2009, also fast 25 Jahre später, kommt es wieder zum Vorschein. Die aktuellen Arbeiten dieser Ausstellung sind Ergebnisse ihrer erneuten Beschäftigung mit diesem Motiv. An 'Rose Rose 5' (2009) werden bestimmte Weiterentwicklungen sofort deutlich. Eine neue, warme und helle Palette ist nicht zu übersehen. Die gleichmäßig breiten, vertikalen Streifen legen den formalen Aufbau fest. Doch wie das Bild 'Lux' (2011) später verdeutlicht, ist diese Struktur alles andere als starr. Farbe, Licht, Räumlichkeit, Tiefenwirkung und Bündelung sind die Bausteine, die als schwer fassbare Bestandteile den Eindruck eines überraschenden, wunderbar transparenten, fließenden Gewebes vermitteln. Wenn die farbliche Modulation früher ihr visuelles Prinzip im Unterbau unterstützte, ist sie nun auf der Hauptbühne und löst die Bildfläche auf. Man kann sagen, dass Rileys frühere Interessen - an harten Kontrasten, am Zusammenwirken von Farben, an der Tonalität, der Bewegung und dem Wechselspiel von Hell und Dunkel - alle in einer überraschenden Synthese zusammengebracht werden.'Rose Red' (2012) steht am Anfang der nun folgenden neuen Phase. Bei Rose Red und anderen nach 2012 angefertigten Bildern dient ihr der Streifen dazu, um das Format feierlich in die Horizontale zu kippen. Hatten frühere Werke die Nähe zur Landschaft noch gemieden, lassen diese sie zu. Abgesehen davon erinnert die sinnliche Wärme von Rileys Palette mit Rosenrot, Violett, Hellorange, Gelb und Magentarot eher an die menschliche Existenz als an Örtlichkeiten. Diese Farben haben mit Rileys seit Langem gehegter Bewunderung für Renoir zu tun. Ihre Farbauswahl kann auch mit ihren Überlegungen für die Wandgestaltung des Flurs im St. Mary's Hospital in Paddington (London, 2012) in Zusammenhang gebracht werden. In den Vorstudien wählte Riley wohlüberlegt aufheiternde, am menschlichen Körper orientierte Farbtöne. Trotzdem führt der raumgreifende Maßstab der neuen Bilder in die Natur. Dieser Eindruck wird auch durch eine weitere, überraschende Wiederaufnahme früherer Themen erweckt. Der Bildaufbau berücksichtigt nun die rein bildnerischen Voraussetzungen für die Wahrnehmung, geht aber auch über deren Gebote hinaus. Die hervortretende und Lücken bildende Farbe akzentuiert die Bildfläche und erzeugt ein Licht und eine Unruhe, die das gesamte Sichtfeld in Bewegung versetzt. Infolgedessen entfaltet sich vor den Augen des Betrachters ein Schauspiel von ständig wechselnden, sich gegenseitig durchdringenden Farben.Mit ihrer gemeinsamen Palette warmer Töne bilden diese neuen Streifenbilder vielschichtige Variationen eines einzigen chromatischen Themas. Bei 'Rose Red', 'Burnished Rose', 'Rose Gold', 'Rose Shadow', 'Rose Rise' und 'Red Overture' (alle 2012) sind die Farb- und Raumwirkung unterschiedlich gebündelt, indem Gewicht, Rhythmus und Verdichtung umherwandern, sich auflösen und wieder formieren. Diese flüchtigen Ordnungen neigen zu vielseitigen Bündelungen und Gruppierungen. Die Grüntöne fügen Betonungen und Nuancen hinzu, die bestimmte Bereiche hervorheben. Bestimmte Verbindungen spiegeln sich an anderer Stelle wieder, so dass das Gesamtensemble in Schwingung gerät. Die.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Anziehend und ephemer sind Michael Raedeckers Gemälde, handbestickt auf verwaschenen Untergründen ¿ Schatten, Staub und fahles Licht. Ihre Linien, Kleckse und deren eingestochene Entsprechungen formen aus weichen Tünchungen vertraute Bilder ¿ Häuser, Laken, Landschaften, Tischdecken. Raedecker dokumentiert die Dinge, die Zeit scheint aufgehoben und der Bildraum ist aufgeladen mit Geschichte. ¿Jeder Stich fühlt sich hier so an, als wollte er an die Träne erinnern, die leise vom Kopfkissen aufgesogen wurde, oder an den fiebrigen Schweiß während eines schlechten Traums,¿ schreibt Tom Morton in seinem Essay über das Abbild eines leeren ¿Mehr-als-Einzel- und Nicht-ganz-Doppelbetts¿. Dessen sorgfältig drapierte Überdecke kennt Geburts- und Sterbestunden, Krankheiten, Albträume, Freuden und Sorgen, sexuelle Erlebnisse ¿ eingetaucht in den Nebel des Vergessens. Es bleiben schattenhafte Bezüge zu vergangenen Ereignissen, zu persönlichen Erinnerungen, die in diese nachdrücklichen Bilder eingeschrieben sind.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Die englische Künstlerin Bridget Riley zählt zu den Schlüsselfiguren der Op-Art. Mit ihren optisch dynamischen Gemälden thematisiert sie das Sehen selbst. Bereits in den 1960er-Jahren erregten die optischen Effekte ihrer Schwarzweiß-Bilder große Aufmerksamkeit und stehen heute sinnbildlich für diese Zeit. In ihrem Essay 'Arbeiten' (2009) macht sie die ausgeklügelte Entwicklung von ihren frühen Schwarzweiß-Malereien bis zu den heutigen Farbbildern nachvollziehbar: 'Der Herausforderung der Farbe musste ich mich mit angemessenen Mitteln begegnen. Genau wie ich vorher das Quadrat und andere geometrische Formen losgelöst von ihren begrifflichen Bestimmungen untersucht hatte, wollte ich jetzt die Wirkung der Farbe im Bild untersuchen - denjenigen bildnerischen Faktor, der in vielerlei Hinsicht am wenigsten emanzipiert und möglicherweise der komplexeste von allen ist.' Um zu ihren kraftvollen Streifen- und Rautenbildern zu gelangen, konzentriert sich Riley zuerst auf Effekte, die durch Farbkontraste entstehen. Später findet sie in der Verbindung der Vertikalen mit der Diagonalen eine neue Form für ihre farbigen Arbeiten, die sie Ende der 1990er-Jahre durch vertikale Kurven und Wellen weiter bereichert.Neben Rileys anschaulich geschriebenem und reich illustriertem Essay zeigt diese Publikation die ästhetische Entwicklung der Künstlerin von den 1980er-Jahren bis heute in großformatigen Bildtafeln. Weitere spannende Einblicke in Rileys Arbeitsweise gibt ein Interview mit Lynne Cook. Auseinandersetzungen, die von Henri Matisses Scherenschnitten über Bruce Naumans Videoarbeiten bis zu traditionellen chinesischen Rollbildern reichen, machen darin ihre komplexe Vertiefung in die Möglichkeiten der Abstraktion deutlich.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Dieses Buch zeigt 17 komplette Collagen-Serien, die Arturo Herrera in den Jahren 2011 und 2012 gemacht hat. Über die Seiten entwickelt sich ein narrativer Sog, der dem Leser erlaubt, in Herreras Interventionen mit Schere, Klebstoff und Pinsel einzutauchen. Zwei Essays und eine Gespräch mit dem Künstler unterbrechen den Fluss und bieten eine notwendige Pause der Reflektion.'Das Ziel der Collage ist es, verschiedene Fragmente einander gegenüberzustellen, die durch ihre eigenen, reichen Bezüge ein komplett neues Bild erschaffen', erklärt der Künstler. Da die Bilder die zwischen 2 und 28 Elemente einer Folge auf Einzelseiten zeigen, kann man ihre thematische Entwicklung genau verfolgen. Manche Seiten sind wie ein Durcheinander aus Motiv-Fetzen, in anderen breiten sich die Farbfelder in reichen Harmonien aus und oft durchdringt das verwendete Ursprungsmaterial die Arbeit wie ein musikalisches Thema: ein altes Textbuch über Techniken der Selbstverteidigung beispielsweise, das Übungsheft eines Schulkindes, dessen Randzeichnungen einen kommenden Leonardo vermuten lassen, all das verstärkt durch Herreras thematisch abschweifende Hinzufügungen. Dabei beschäftigen wir uns nicht nur mit dem Inhalt der Werke, sondern auch mit der Technik der Collage an sich, die die Gegebenheiten in neuem Licht zeigt. Mit den Worten des Künstlers: 'Die Collage ist ein Porträt des Lebens, umsortiert und neu komponiert.'.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - 'Alle meine künstlerischen Untersuchungen führen mich letztlich zu der Frage: Was ist Malerei ', sagt der englische Künstler Robert Holyhead. 'Je mehr ich über Abstraktion und Malerei nachdenke, desto klarer wird mir, dass es mir genau darum geht: ein Gemälde herzustellen. Mir geht es nicht um irgendwelche Erkenntnisse.' Holyheads kleinformatige abstrakte Ölgemälde sind mit ihrem raschen, monochromen Farbauftrag von aquarellhafter Leichtigkeit. Durch unterschiedliche Farbdichte und das Herauswischen von Formen, die den weißen Malgrund wieder hervortreten lassen, sucht er Kompositionen von elegant-labiler Balance zu schaffen. Das Buch zeigt eine aktuelle Werkgruppe, die 2014 in der Galerie Max Hetzler in Berlin ausgestellt wurde, mit zusätzlichen Detail- und Installationsaufnahmen und gibt Einblicke in die Arbeitsweise des Künstlers.ROBERT HOLYHEAD - GEMÄLDE(Auszug aus dem Text von David Ryan)Malerei ist in diesen Bildern eine Kombination von Tönen und Zeitebenen (durch die Verschränkung von Farbe und Oberflächenzeichnung). Für Holyhead selbst ist es wichtig, den Betrachtungsvorgang zu entschleunigen. Oft wird Malerei als ein Medium dargestellt, das in einem einzigen Augenblick aufgenommen werden kann - zu Unrecht, denn ein jeder Blick auf ein Gemälde bedeutet auch, einen Zeitablauf nachzuvollziehen. Entsprechend muss der Malprozess die binären Pole der Präzision und Aktion - Planung und Improvisation - miteinander verbinden. Durch das Auslöschen der Farbe verwischt Holyhead Teile seiner Spuren - ein Bild kann mehrmals übermalt, nur um dann wieder ausgelöscht zu werden. Zu viel Pigment oder zu viele Farbschichten würden auf Kosten der Klarheit gehen. Es handelt sich also um einen Prozess der Einschränkung, der die räumlichen Möglichkeiten eines Gemäldes öffnet. Nicht umsonst spricht Holyhead davon, dass er 'den Bildraum aufbohren' möchte. Oft findet er während des Malprozesses potenzielle Formenzusammenhänge, die er als falsche Fährten verwirft. Nachdem er die Leinwand sorgfältig präpariert hat - mit mehreren Voranstrichen und einer Ölgrundierung -, führt er das Bild rasch aus. Ein oder zwei Tage braucht er für ein Gemälde, was der Malerei eine performative Waghalsigkeit verleiht - am Ende muss sich alles in dieser Zeit zusammenfügen.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Im Mittelpunkt des Buchs steht eine Werkgruppe handbemalter Bronzeskulpturen, die Rebecca Warren 2012 geschaffen hat. Mit ihren rauen Oberflächen erinnern die langgewachsenen Figuren ein wenig an Giacomettis existenzielle Arbeiten. Auf den zweiten Blick aber vervielfältigen sich die Bezüge, wie Jörg Heiser in seinem Essay schreibt, der unter anderem Referenzen an Daisy Duck, Sigmund Freud und Amy Winehouse entdeckt. Auch der Genderdiskurs spielt eine wichtige Rolle und reicht bis in die maskulin oder feminin konnotierten Materialien und Arbeitstechniken.Um den vielfältigen Aspekten und der Allansichtigkeit des Werks gerecht zu werden, sind die Skulpturen im Buch nebeneinander von allen vier Seiten abgebildet, so dass jeder in die Form geknetete Fingerabdruck, jede farbliche Nuance der Bemalung im Detail sichtbar wird. Ein Triptychon von Vitrinenarbeiten mit Materialien aus dem Atelier der Künstlerin sowie einige Würfelskulpturen aus ungebranntem Ton, die wie leere, brüchige Sockel erscheinen, runden die Werkauswahl ab.BRONZE HEADS AND HAIR BOWS(Auszug aus dem Essay von Jörg Heiser)Rebecca Warren's recent series of seven sculptures are like stalagmites built not from minerals and salt, but from a plethora of archetypes, clichés and inventions, both ancient and contemporary, shaped into perplexing new form by the artist's hands. They have been sculpted in clay around a metal armature, then cast in bronze and hand-painted with car veneer to appear reminiscent of glazed ceramics. Roughly human-sized, their outline is slender and commanding at first (as well as a stalagmite, you might also think of a magnified tin soldier), yet some elements stick out like sore thumbs, or rather like bent elbows or bulbous noses or, in fact, like singular silicon breasts.The sculptures are placed on plinths, each coloured a different pastel hue, that are (purposefully and awkwardly) a little too modest and small to fulfil the plinth's classical role as guarantor of distinction and authority. Meanwhile, the sculptures themselves have undulating surfaces that feel at once amorphous (like the skin of a thickly magmatic brew) and haptic (shaped by the artist's hands, with imprints of the fingers' tips and the hand's gripping palm). With these qualities of shape and material all combined, these works make me think not only of stalagmites and tin soldiers, but also of Alberto Giacometti, Etruscan statues, Daisy Duck and Minnie Mouse, Giuseppe Arcimboldo, Sigmund Freud, Johann Wolfgang von Goethe, Amy Winehouse, Marisa Merz, Auguste Rodin and Medardo Rosso.Take, for example, 'Toto' (2012), one of the seven slender sculptures. Apart from a large triangular element, reminiscent of Giacometti-esque sideways-pointing breasts, a big bulbous nose or a bent elbow, protruding from what could thus be read as the torso of the figure, there is also a hair bow stuck prominently on top of its (narrow, heavily contorted) 'head'. While the rest of the bronze is covered in hues of terracotta and cyan, the hair bow is blotched in old rose and pistachio, emphasizing the composite rather than unified aspect of the piece. The hair bow is a returning motif in Warren's work (see, for example, the voluptuous clay female figure Pony from 2003, which features a hair bow on top of its head like a boudoir pillow). It is a perfect shorthand code for cartoon female role models courtesy of Disney. Both Daisy Duck and Minnie Mouse sport huge hair bows that strongly differentiate them from their male hero counterparts Donald and Mickey. Warren pits these simplified cartoonist patterns of gender against the equally simplified, but pronouncedly 'serious' patterns that the male-dominated history of modernism has to offer.This experimental, slapstick collision of Giacometti and Disney, literally cast or pressed into one physical body, leaves neither unharmed. In fact Warren's sculpture could be read as a response to culturally entrenched gender tropes - the slender modernist outli.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Das Buch präsentiert eine neue Serie großformatiger Collagen-Gemälde, in denen sich Albert Oehlen bei billig-fröhlichen Motiven von Werbeanzeigen und Postern bedient. Daraus fügt er Kompositionen zusammen, die erst auf den zweiten Blick eine weitere Dimension offenbaren: die der Inneneinrichtung. So entdeckt das Auge des Betrachters plötzlich Wände und Flure, Vorhänge, Tische oder den eleganten Schwung eines Designerstuhls. Dadurch verschmilzt der Künstler nicht nur das Darüber und Darunter, führt das Leichte und das Tiefe zusammen, sondern zeigt insbesondere, wie die schreiende Welt der Werbung unseren privaten Raum in Beschlag nimmt.SO MUCH OF EVERYTHING!(Auszug aus dem Essay von Michael Bracewell)Prices, water, a smiling swimming lady, lager, peas, office blocks, burgers, tyres, headphones, tonic water, happy restaurant people, hair, TV, smiling young woman, sunshade, jeans, steak, spine, hat stand, handsome man, plastic pig, white lingerie.These are some of the images from advertising posters out of which Albert Oehlen has made his series of large-scale collage paintings, 'Interieurs'. Their relation to Pop is ambiguous, ambivalent, but apparent - a sub-sonic pulse. They are composed in such a manner that their visual rhythm can appear at once brusque and complex: the viewer seems to experience a bombardment of typography, colours, shapes, and fragments of recognizable imagery, some cut by the artist into a silhouette form of human figures. The visual sensory impact of these canvases is therefore also immediate, vivid, visceral, and at times, or cumulatively, disorienting and somewhat neurasthenic. At the same time, there is rich emotional pleasure in these bombardments of colour and form, which appear to possess a dynamic momentum while also retaining a clarity and freshness, aerated by a bravura dialogue between space and form.It seems interesting to imagine that a viewer is coming to these highly charged assemblages with no further information about the artist or his intentions. We first respond, perhaps, to the immediacy and visual clamour that these compositions communicate - rather as though a television had suddenly been turned on, at full volume.Our next instinct might be to try to seek out some coherence and logic - our gaze searching the picture plane for some point to rest upon: a bottle of soda, a face, a word. Here and there in these collages we do find coherent, virtually intact images. They take their place within the dizzying arrangement of otherwise fragmented shards of imagery. When we focus on them, the commotion settles, and its reverse emerges: almost formalism, disciplined, deeply felt, its expressiveness controlled and thus articulated by a translation of the representational into the abstract. And here the discernment of 'interiors' may begin to emerge. These are glimpses, as opposed to insights: a dining room table, patio furniture, a wicker-backed chair. They take their place as though within a succession of garish broken perspectives comprised of blocks and shapes of sliced raw commercial graphics.And thus, as we look further, the inchoate roar of the visual language begins to engage in part with the language of painterly Abstraction. That when we cease to search for any visual 'meaning' save that of tempo, form, colour and composition, we discover a compelling synthesis of found commercial imagery into contemplations of pure form - a balancing of the figurative machine-made image, the semiotic, the aesthetic, the anthropological and a form of modern poetics.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Für viele Maler und Bildhauer, Installations- und Konzeptkünstler bietet die Keramik eine besondere Ausdrucksform neben ihrer eigentlichen Disziplin. Oft liegt der besondere Reiz in der Unmittelbarkeit der Arbeit mit der Erde, im spontanen Zugriff auf die rohe Form. Das betont auch Lucio Fontana in seinem programmatischen Text 'La mia ceramica', dessen Titel der hier dokumentierten Ausstellung der Galerie Max Hetzler in Paris ihren Namen verleiht. Der Überblick beginnt in den späten 1940er-Jahren und spannt den Bogen von den damaligen Pionieren des Mediums - neben Fontana sind das Pablo Picasso und Fausto Melotti - bis in die aktuelle Gegenwart. Zu sehen sind rein abstrakte Arbeiten und frei ausgelegte Gefäßformen, spontaner Ausdruck und vielsinniges Konzept, mal bewusst Elemente der keramischen Tradition aufgreifend, mal ihre Grenzen sprengend. Im Wechselspiel der Arbeiten und durch Statements der Künstler über Geist und Praxis des Materials wird in diesem Buch der ganz persönliche Zugang deutlich, den die Keramik jedem von ihnen eröffnet hat.La mia ceramica(Auszug aus dem Text von Edmund de Waal)Clay becomes ceramic when it is fired. When clay is still in its raw state it can be broken down, mixed with water, reconstituted: objects can be made and remade indefinitely. Its plasticity is almost dangerous, it allows for revision and effacement. It has little resistance in comparison with wood or stone. Every touch is present but contingent. After firing, clay becomes other - it can be broken, chipped, made fragmentary - but it cannot return to its primal state. It is now unalterable, holding a record of the movements that made it: it is terramottata ma ferma, 'earthquaked but motionless', in Fontana's vivid words. Clay and ceramic are polarised states of being, motion and stasis.Clay is inexhaustible stuff. It is cheap. It has little value in the hierarchy of materials: it is demotic, basic, primal. It is earth. As earth, it is universal but also particular as it comes out of territory, land, place. To work with it is to make something out of nothing. It is an act of Ur-creation: 'God gave man a little bit of mud', in Gauguin's words. Clay records the passage of one moment of one person through the world. The use of clay to sketch, to mark in an abbreviated way the flux of feeling, is part of this map of the unexpected.Transformation takes place at different levels of seriousness, humour and complexity. But at every stage there are decisions as to whether to adopt the technics of ceramics. As Fontana said in the essay he wrote in 1939: 'I abhor the mystics of technique. I am looking for something else.'.In Zusammenarbeit mit Galerie Max Hetzler, Berlin | Paris.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Kunst und Fußball sind die zwei großen Leidenschaften, die den Illustratoren Christoph Niemann und den Galeristen Max Hetzler verbinden. Beide aus der Umgebung von Stuttgart stammend, leben und arbeiten sie heute in Berlin, fußballerisch gehört ihr Herz aber immer noch dem VfB Stuttgart. So kam das eine zum anderen: Für seine erste Einzelausstellung im Rahmen des 40-jährigen Jubiläums der Galerie Max Hetzler schuf der Künstler Niemann 32 absurde Siebdrucke unter dem fiktiven Titel 'Galerie Max Hetzler celebrates 40 years of VfB Stuttgart', die den Galeristen und seine Künstler mit Bildmetaphern aus der Welt des Fußballs neu interpretieren. Die komplette Serie ist hier in dieser Publikation gesammelt. Spieler im markanten weißen VfB-Trikot mit dem roten Brustring stehen zusammen und bilden Werke von Beatriz Milhazes oder Richard Phillips nach, sie umarmen sich in innigem Torjubel wie eine Skulptur von Jeff Koons und das Stadion gleicht einer Stoffskulptur von Ernesto Neto. Albert Oehlen und Martin Kippenberger treten persönlich auf, Glenn Brown, Mona Hatoum und viele andere werden auf hintergründige Weise zitiert. Namen wie Karl Allgöwer und Jürgen Klinsmann oder das magische Dreieck stehen für die andere Hälfte des Teams, Künstler am Ball, die für den Fan zu den ewigen Größen des Sports gehören. Christoph Niemann, 1970 geboren, zog nach seinem Studium an der Stuttgarter Akademie der Bildenden Künste nach New York, wo er zwischen 1997 und 2008 seinen Hauptwohnsitz hatte. Seine Illustrationen erschienen auf den Titelbildern von Magazinen wie The New Yorker, Time Magazine, New York Times Magazine, Wired und dem ZEITmagazin. 2010 wurde er in die Hall of Fame des Art Directors Club in New York aufgenommen. Momentan schreibt und zeichnet Niemann von Berlin aus die Kolumne 'Abstract Sunday' für das New York Times Magazine.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Zwölf Jahre nach seinem Tod gehörte Raymond Hains im Jahre 2017 einmal mehr zu den Stars der Biennale von Venedig. Dort wurde in der Hauptausstellung ein Saal seinen Arbeiten gewidmet. Sowohl die Präsentation als auch die euphorischen Rezensionen bezeugen die zentrale Stellung, die Hains in der zeitgenössischen Kunstpraxis hat. Seine konzeptuellen Werke nutzen Orte und Materialien, optische Effekte und Wortspiele sowie Strategien der Dokumentation. Mit Venedig verbindet Hains eine lange Geschichte. 1964 zog er in die Stadt und blieb für den Rest des Jahrzehnts in Italien. Hier teilte er seine Künstlerpersönlichkeit in zwei fiktive Charaktere, Saffa und Seita, die er nach den staatlichen Tabakfirmen Italiens und Frankreichs benannte. Im selben Jahr zeigte er auch seine Biennale déchirée (Zerrissene Biennale) als Plakatabrisse auf Leinwand, und 1968 dann Biennale éclatée (Zerplatzte Biennale), wofür er Kataloge der verschiedenen Länderpavillons durch ein Prisma verzerrte und als Plexiglasrelief ausführte. Dazu kommen Mixed-media-Installationen und Macintoshages - eine Gruppe von Werken ab den späten 1990er-Jahren, für die Hains Bilder auf dem Computerbildschirm überlagerte. Ausgehend von diesen Arbeiten geht das Buch Hains' fruchtbarer Beziehung zu Venedig nach, in zahlreichen Abbildungen und einem Essay des Kunsthistorikers und Kurators Hervé Vanel.

Buch. Zustand: Neu. Neuware -Die Sirenen in diesem Buch schauen uns aus großen Siebdruckgemälden an, geschaffen vom Schweizer Künstler Urs Fischer, der hier Publicity-Shots von Schauspielern des klassischen Hollywood wie in einer Collage mit ihren eigenen Doppelbildern und fließenden Abstraktionen zusammen montiert hat. Aufgrund dieser organischen Formen bezeichnet Fischer selbst die Bilder als Landschaftsgemälde, denen er als ganz andere Landschaft eine Gruppe von Skulpturen gegenüberstellt: kleine Figuren, die auf dem Galerieparkett mit gefundenen Elementen wie etwa einer Kartoffel oder einem verbogenen Löffel interagieren. Diese geistreichen Erfindungen aus bemalter Bronze gruppieren sich um einen mit Topfpflanzen umrahmten Spiegelteich, von dessen stetigem Tropfen ein eigener Lockruf durch die Räumlichkeiten hallt. Werkabbildungen und Installationsansichten dieser Doppelausstellung in der Galerie Max Hetzler Berlin werden von Gregor Jansens Essay begleitet, der Fragen von realer Welt, Wahrnehmung und geradezu filmischer Projektion diskutiert, die diese Werke reflektieren. In Zusammenarbeit mit Galerie Max Hetzler, Berlin Paris London 92 pp. Deutsch.

hardback. Zustand: New. Language: ENG.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - In seiner Serie Noblesse Hybridige mischt der koreanische Künstler Cody Choi Blattwerk aus Rokoko-Gemälden mit Naturmotiven des traditionellen Sagunja-Stils. Er überlagert die Details, druckt sie auf Marmor und fügt dann den letzten Finish mit Öl- und Cashewfarben hinzu, was die Dekorativität der Arbeiten gleichzeitig übertreibt und unterminiert. Diese Inszenierung der Gegensätze hat auch einen biografischen Hintergrund: In Südkorea geboren und aufgewachsen, emigriert Choi Mitte der 1980er Jahre nach Los Angeles, wo er sich mit Konzeptkunst beschäftigt (u. a. bei Mike Kelley). Ein Jahrzehnt später kehrt er in das stark veränderte Seoul zurück. In keiner der beiden Kul- turen fühlt er sich beheimatet, in beiden ist er gut bewandert und inszeniert in seiner Kunst den Mix und die Kollisionen zwischen Ost und West - was ihn bis in den koreanischen Pavillon auf der Venedig-Biennale 2017 führt. In Chois hier dokumentierter Ausstellung in der Pekinger SPURS Gallery umrahmen die Gemälde aus dem Jahr 2020 Arbeiten in anderen Medien: Neon, Collage und Skulptur, darunter eine frei modellierte rosa Bronzevariante von Rodins Denker. In der Hauptgalerie nimmt als Teil der Installation ein junges Paar Performance-Posen im kalibrierten Licht der Scheinwerfer ein - eine weitere global lesbare Facette von Chois vollkommenem Zustand kultureller Hybridität.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Der Bildhauer Bogomir Ecker beschäftigt sich in seinem Werk mit den Phänomenen der Technik und Kommunikation als den prägenden Impulsen unserer Gesellschaft. Einfache, an industrielle Körper erinnernde Formen, Maschinenteile und verfremdete Alltagsgegenstände treffen in seinen Arbeiten auf Formen der Natur wie Eis oder Meteoriten, schwarze Löcher, Membranen. Im scheinbar Fassbaren der rational enträtselten Wirklichkeit wird das Enigmatische sichtbar, die Dingmagie. Im Künstlerbuch 'Man ist nie allein' vernetzt Bogomir Ecker seine Installationen und Skulpturen aus 25 Jahren. Eine ausführliche Chronologie fügt Werkbeschreibungen, Zitate und persönliche Dokumente zusammen. Das Buch sammelt Material und macht die Kontinuität des Begreifens sichtbar, es ist es ein Arsenal aus Medien, Maschinen und anderen Gerätschaften - und darüber hinaus die erste umfassende Werkmonografie Eckers. Von außen blicken drei Autoren auf das Werk: Uwe M. Schneede beleuchtet in seinem Essay Eingriffe und Versuchsanordnungen in zwei Werkgruppen und beschreibt die von ihm begleitete Realisierung Eckers komplexer Installation 'Die Tropfsteinmaschine' in der Hamburger Kunsthalle; Hubertus Gaßner erklärt, ausgehend von den 'Prototypen', wie Bogomir Ecker naturwissenschaftliche Betrachtungsweisen aufnimmt, um zu einem eigenen Bild der Welt zu kommen. Claudia Banz analysiert die Blickspuren, die Bogomir Ecker in Räumen legt, und das immer wiederkehrende Motiv des inneren und äußeren Ohrs.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Am Anfang sind da die Augen: große und beredte Augen, gelbe und schielende Augen, die vertikal geschlitzten Pupillen einer Katze oder eines Fuchses. Sie blicken durch das Dickicht der Malerei, durch abstrakte Pinselstriche in kühnen Farben, in deren tiefen Schichtungen sich die Zeitabläufe des Malens und des Betrachtens treffen. Der chinesische Künstler Wang Jiajia bringt eine besondere Mischung der Kulturen auf die Leinwand: zwischen Spuren traditioneller Landschaftsmalerei und einer Akademieausbildung in London, beeinflusst durch den Bilderreichtum des Internets und den Aktionsreichtum von abstraktem Expressionismus und Videospielen. 'Ich möchte Werke schaffen, die dich anziehen, die um deine Aufmerksamkeit kämpfen, wie ein Gegengewicht zu all dem Glitzerzeug im Netz', sagt der Künstler. 'Also benutze ich dieselbe Strategie und spiegele den ständigen Fluss der Informationen: Meine Bilder haben mehr Schichten, mehr Pinselstriche, mehr verschiedene Techniken, einen dickeren Auftrag, mehr unterschiedliche Farben, während im Hintergrund lauter versteckte Hinweise stehen und die Titel versteckte Bedeutungen haben. Ich will, dass jedes Bild vor Inhalt platzt.' In Zusammenarbeit mit Cornerstone Art.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Spiegelbilder zwischen 1982 und 1990 - zwischen Albert Oehlens Frühwerk, das in der gegenständlichen Malerei mit losem Pinselstrich und subversivem Humor neue Freiheiten findet, bis zum Ende des Jahrzehnts, als er vor allem abstrakte Bilder malt, in deren erfindungsreichen Kompositionen er kunstgeschichtliche Anspielungen und spielerische Motive versteckt. Als Oehlen die ersten Spiegel mitten in die Leinwand klebt, sind sie Teil einer Strategie der manchmal absurden malerischen Herausforderungen an sich selbst. Mit dicken Farben und Schichten von Firniss um- und übermalt, werden die Spiegel gleichzeitig Teil der Komposition, Bruch im Bildraum und augenzwinkernder Einbezug der reflektierten Betrachter in Darstellungen von Wohnzimmern, Museumsräumen und ziegelummauerten Bühnen. Diese konzeptuell vielschichtige Serie war zentral für Oehlens Entwicklung über ein Jahrzehnt und wurde 2019 in zwei Ausstellungen in der Galerie Max Hetzler in London und bei Nahmad Contemporary in New York in Auswahl präsentiert. Die Dokumentation wird hier durch einen Essay von Raphael Rubinstein begleitet, der die ikonografischen Zusammenhänge und kunstgeschichtlichen Bezüge der Spiegelbilder aufzeigt: 'Die quer über die Spiegelbilder verteilten reflektierenden Oberflächen stehen sinnbildlich für eine unermüdliche Neugier, die für Oehlens Werk so typische Offenheit', schließt Rubinstein seinen Text. 'In ständiger künstlerischer Selbsterneuerung steht bei ihm nur eine Sache fest: dass die Malerei eine offene Frage bleibt, ein visueller Raum, in dem einfach alles auftauchen kann, genau wie in diesen aufgeklebten Spiegeln alles auftauchen kann.'.

Buch. Zustand: Neu. Neuware - Die Keramiken der US-amerikanischen Künstlerin Liz Larner (\*1960) sind vielschichtig: Ihre Form und Schwere erinnert an antike Schrifttafeln, der Farbenreichtum der Glasuren verleiht ihnen die Wirkung eines Gemäldes, während die vielfach eingerissenen und gebrochenen Oberflächen vom Prozess ihrer Herstellung erzählen. Brüche sind als Thema auch aus den Titeln der Werke abzulesen: caesura als ein Innehalten zwischen zwei Hälften, subduction angelehnt an das Übereinanderschieben zweier Erdschichten in der Plattentektonik, calefaction als Erhitzung von beigefügten Mineralien, die im Ton kristallisieren oder sich auflösen, porcelain melt als erneute Strapazierung des bereits gestalteten Materials. Über den Brüchen jedoch liegen die tief schimmernden Oberflächen von Larners genau nuancierten Farbglasuren.Das Buch zeigt dieses Werk im Rahmen einer Ausstellung 2016 in der Galerie Max Hetzler in Berlin. Zwei Stränge fügen sich zusammen: die persönliche Entwicklung Larners, deren konzeptuelles Interesse sie um die Jahrtausendwende zur Keramik führt, und die Rolle, die das Material durch Künstler wie Picasso, Fontana, Asger Jorn und Peter Voulkos in der Geschichte der Moderne spielt. ''Wie bei den besten Werken von Fontana und Jorn', schreibt Peter Pakesch in seinem Text, 'wird die Keramik zu einer besonderen Verbindung von Malerei und Skulptur mit den Qualitäten beider Welten. Aus der konzeptionellen Analyse kommend, hat Larner stets für den Blick auf das Material und seine Eigenschaften plädiert. Nun mag sie dort angekommen sein, wo sie jenseits der Widersprüche, die sonst in ihrem Werk immer eine besondere Bedeutung hatten, eine Selbstverständlichkeit erreicht, aus der ein virtuoses Spiel von Form, Material und Farbe entsteht. Mit welchem anderen Material wäre das sonst möglich gewesen 'In Zusammenarbeit mit Galerie Max Hetzler, Berlin | Paris.